Autor: Émile Friant. Título de la Obra: Los Amantes.

Émile Friant (Dieuze, 1863 - París,  1932) pintor francés.

Después de la Guerra Franco-Prusiana y la anexión de Alsacia-Lorena al I

Imperio alemán en 1871, su familia se traslada a la ciudad de Nancy donde se instalan.

Allí asiste al colegio Loritz antes de ser admitido en la Escuela de Bellas Artes de Nancy, en cuyos salones exhibe sus obras desde la edad de 15 años.

Sus exposiciones en los salones de la escuela de bellas artes pronto destacó entre los demás y el artista se ve recompensando con sus estudios en la escuela de Bellas Artes de París, allí frecuenta al pintor Alexandre Cabanel del cual se convierte en discípulo.

Emile Friant consigue el segundo Premio de Roma en 1883 por su obra (Edipe maudissant son fils Polynice). En 1889 en  la exposición universal recibe la medalla de oro por su pintura La Toussaint, su futuro está asegurado y su trabajo por fin reconocido, a partir de este momento le comienzan a llegar encargos de diferentes partes del mundo.

Friant es un pintor naturalista, perteneciente a la corriente artística de la École de Nancy, aunque su pintura no está encuadrada en el estilo Art Nouveau, sus pinturas se concentran en escenas de la vida cotidiana o retratos que realizó con amigos y familia como modelos.

En la época su estilo fue juzgado como demasiado realista y en efecto el realismo de la pintura de Friant es muy cercano a la fotografía y a las nuevas tecnologías que le apasionaban.

Además de pintar, Friant imparte clases en la escuela nacional de bellas artes de Nancy.

En 1923 se convierte en miembro de la academia de Bellas Artes y en 1931 fue condecorado con la Legión de Honor,, fallece en París el 9 de junio de 1932, poco después fue enterrado en su querida Nancy en el Cementerio de Préville.

Los Amantes (1888) 

Descripción: Óleo sobre lienzo.
Localización: Musée des Beaux-Arts. Nancy
Título: "Los amantes" o "Romance on the Bridge" o "Tarde de otoño"   Dimensiones: 111 x 145 

Friant elige uno de sus paseos y lugares de favoritos, el Grands Moulins de Nancy. Aquí, los jóvenes están representados en el puente de Puente Roto en la Meurthe.

El espectador contempla la escena detrás de la joven pareja, observamos los perfiles, uno frente al otro ensimismados en una conversación, él está fumando, se observa el río con un puente de piedra y casas en la distancia. El se sitúa casi en el centro de la composición, el busto ligeramente inclinado hacia la chica, sosteniendo el cigarrillo sin quitarle la vista a ella. La chica se inclina de la misma manera, la mejilla derecha presiona ligeramente en la mano izquierda, mientras contempla al joven.

Transmiten atracción y ensimismamiento, aunque está exento de cursilería, más bien mantienen un gesto muy natural y atractivo a la vez.  Es una escena cotidiana de un realismo que evita el cliché académico.

Autor: Rodin. Título de la Obra: La Eterna Primavera

François-Auguste-René Rodin (París, 1840  Meudon, 1917) fue un escultor francés contemporáneo del Impresionismo.

Auguste Rodin estudió en la Escuela de Artes Decorativas.

Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París, en la que le fue rechazado su ingreso en dos ocasiones.

Sus esculturas son tan anatómicamente perfectas que corrió el bulo que utilizó para la realización del molde de su escultura La edad de bronce (1875) el mismo cuerpo del modelo y no un molde de arcilla como se suele hacer en la técnica de vaciado en bronce, gracias a sus amistades influyente como el pintor y escultor Edgas Degás salió victorioso y además consiguió una fama que le puso entre los artistas más importantes de París.

Con posterioridad a este escándalo, su escultura se dividió en dos líneas distintas: la primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre indica, alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su amiga, amante y ayudante la escultora Camille Claudel; la segunda, las transgresoras, considerada la parte más trascendente en la historia del arte.

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, las figuras que construyó carecen de una lógica en cuanto a las proporciones. Rodin había estudiado la anatomía para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

En 1863 conoció a la que sería su compañera de por vida, Rose Beuret, una costurera de fábrica quien pronto se convirtió en su modelo para la escultura Bacante, pieza destruida durante un traslado de taller. En 1866 nació su hijo, el cual no llevaría el apellido de Rodin: Auguste-Eugéne Beuret.

Rodin abandonó a su amante, la escultora Camille Claudel y ésta quedo sumida en una profunda depresión que le condujo a la locura.

Desde 1906, la artista inició la destrucción de parte de su obra, sobre todo los yesos y trabajos en cera, cosa que repitió en diferentes ocasiones ante noticias adversas. En 1912, mientras sus esculturas en bronce de la colección Blot eran expuestas en Roma, la escultora vivió en la miseria y el abandono ya que su familia dejó de enviarle dinero. El 3 de marzo de 1913 murió el padre de Camille y el 10 de marzo fue ingresada en un hospital psiquiátrico. Se dice que muchas de las obras más conocidas de Rodín fueron realizadas por Camille Claudel.

El 29 de enero de 1917 Rodin se casó con Rose Beuret quien murió dos semanas después. Rodin contrajo una fuerte gripe a fines de ese mismo año y falleció el 17 de noviembre.

L’Éternel Printemps (La Eterna Primavera) 1884 Bronce

La obra fue creada durante el periodo de intenso trabajo alrededor de La Porte de l’Enfer (Puerta del Infierno). Pero este  tema nunca llegó a estar en ella: como Le Baiser (El Beso), del que representa una especie de variación; su tema evoca la felicidad de dos jóvenes amantes, sentimiento que no pareció adecuado para el tema infernal de La Puerta.

La sensualidad del  cuerpo arqueado femenino, tenso hacia los labios del personaje masculino, se integra perfectamente en la composición. A esta curva ascendente, responde el amplio movimiento del hombre que domina la composición.

Evocando  la escultura del siglo XVIII, apreciada por Rodin que la había imitado mucho, cuando trabajaba para ornamentistas, L’Éternel Printemps (La Eterna Primavera) tuvo mucho éxito y fue varias veces editada en bronce y en mármol. Esta obra se encuentra en el Museo Nacional de Arte Decorativo, aunque muchas de sus obras se encuentran en el Museo Rodin de París.

Autor: Renoir. Título de la Obra: Moulin de la Galette

Renoir (25 de febrerode 1841- 3 de diciembrede 1919) fue un pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.

El pintor nunca disfrutó de muy buena salud. En sus cartas se encuentran frecuentes menciones a enfermedades respiratorias, que lo mantuvieron largo tiempo postrado en la cama. En 1888, en Essoyes, tuvo su rostro parcialmente paralizado a causa de una neuralgia. En aquel mismo lugar, un día de lluvia en el verano de 1889, Auguste cayó de su bicicleta y se fracturó el brazo derecho. Afortunadamente, como consecuencia de una fractura anterior, el artista ya había aprendido a pintar con la mano izquierda. Sin embargo, en esta ocasión aparecieron dolores que dificultaban su trabajo. El médico de la familia le diagnosticó un reumatismo incurable desencadenado por la caída. A lo largo de los últimos veinte años de su vida, Renoir debió sufrir permanentes dolores. Así y todo, a pesar de la fragilidad de su estado, su fantástica sed de vida y pasión creadora no se apagaban.

"Moulin de la Galette", 1876 - óleo sobre lienzo, 131-175 cm.

Esta pintura ha sido descrita en ocasiones como "la pintura más bella del siglo XIX". La escena describe uno de los numerosos bailes que se celebraban en el Molino de la Galette .

Le Moulin de la Galette, un verdadero molino abandonado situado en la cima de Montmartre, el paraíso de la bohemia parisina habitado por artistas, literatos, prostitutas y obreros. Los domingos y festivos eran días de baile en Le Moulin, llenándose con la de todo el grupo, convirtiéndose en un testimonio de la vida en el París de finales del siglo XIX. El propio Renoir comentó que necesitó alquilar una mansión rodeada de un gran jardín en Montmartre para pintar el lienzo, lo que perjudicó su precaria economía.población que habitaba el barrio. Una orquesta amenizaba la danza mientras que alrededor de la pista se disponían mesas bajo los árboles para aprovechar la sombra. En su deseo de representar la vida moderna - elemento imprescindible para los impresionistas- Renoir inmortaliza este lugar en uno de los lienzos míticos del Impresionismo. Su principal interés es representar a las diferentes figuras en un espacio ensombrecido con toques de luz, recurriendo a las tonalidades malvas para las sombras.
En las mesas se sientan los pintores Lamy, Goeneutte y Georges Rivière junto a las hermanas Estelle y Jeanne y otras jóvenes del barrio de Montmartre. En el centro de la escena bailan Pedro Vidal, pintor cubano, junto a su amiga Margot; al fondo están los también pintores Cordey, Lestringuez, Gervex y Lhote.
El efecto de multitud ha sido perfectamente logrado, recurriendo Renoir a dos perspectivas para la escena: el grupo del primer plano ha sido captado desde arriba mientras que las figuras que bailan al fondo se ven en una perspectiva frontal.. La composición se organiza a través de una diagonal y en diferentes planos paralelos que se alejan, elementos clásicos que no olvida el pintor. Las figuras están ordenadas en dos círculos: el más compacto alrededor de la mesa y otro más abierto en torno a la pareja de bailarines.
La sensación de ambiente se logra al difuminar las figuras, creando un efecto de aire alrededor de los personajes. La alegría que inunda la composición hace de esta obra una de las más impactantes no sólo de Renoir sino de todo el grupo, convirtiéndose en un testimonio de la vida en el París de finales del siglo XIX. El propio Renoir comentó que necesitó alquilar una mansión rodeada de un gran jardín en Montmartre para pintar el lienzo, lo que perjudicó su precaria economía.

Autor: Toulouse-Lautrec. Título de la Obra: Diván Japonáis.

Toulose- Lautrec (Albi 1864-Sant André du Bois 1901)nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza. 

En su familia, como era habitual en muchas dinastías de la antigua aristocracia, muchos matrimonios se concertaban entre parientes para evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna. Este fue el caso de los padres de Henri, que eran primos en primer grado.

La endogamia hubo de condicionar la salud del artista. Henri fue el primogénito y cuando tenía cuatro años nació su hermano Richard-Constantine, que falleció un año después. 

Su infancia fue feliz a pesar de que padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.

En 1884Henri fue a vivir al barrio de Montmartre, donde tuvo vecinos como Degas. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con asiduidad y hacerse cliente habitual de algunos de ellos.Todo lo relacionado con este mundo, incluida la prostitución, constituyó uno de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A estas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica.

Tenía grandes problemas con el alcohol, lo que muchas veces derivaba en locura. Además contrajo la sífilis. El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. En 1897 tuvo que ser recogido de las calles a causa de una borrachera, y poco después en un delírium trémens llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo, seguía pintando de forma firme y rápida.

En 1899 lo volvieron a recoger alcoholizado y lo internaron en un sanatorio mental. Allí realizó una colección de pinturas sobre el circo.

Le dejaron ir a casa de su madre en las posesiones de ésta cerca de Burdeos y en 1901 murió postrado en su cama.

Toulouse-Lautrec conseguirá bastante fama como cartelista, anunciando especialmente los locales nocturnos que frecuentaba. En este caso se trata del café-concert Divan Japonais, lugar en el que se intentaba crear un ambiente pseudo-oriental cuando todo lo que procedía de Oriente llamaba la atención. 

En primer plano están Jane Avril, famosa bailarina del Moulin Rouge  y el crítico simbolista Edouard du Jardin. Tras ellos aparecen los cuellos de los contrabajos, los brazos del director de orquesta y, sobre el escenario, la silueta inconfundible de Yvette Guilbert, la cantante del local que se convertiría en la obsesión del pintor. 

La influencia de la fotografía es muy marcada, como observamos al cortar los planos pictóricos e incluso la cabeza de Yvette. El agobio y abotargamiento espacial, con los planos muy unidos entre sí, es otra de las características de este excelente cartel en el que apreciamos cierta influencia de Degas.