Autor: Rodin. Título de la Obra: La Eterna Primavera

François-Auguste-René Rodin (París, 1840  Meudon, 1917) fue un escultor francés contemporáneo del Impresionismo.

Auguste Rodin estudió en la Escuela de Artes Decorativas.

Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París, en la que le fue rechazado su ingreso en dos ocasiones.

Sus esculturas son tan anatómicamente perfectas que corrió el bulo que utilizó para la realización del molde de su escultura La edad de bronce (1875) el mismo cuerpo del modelo y no un molde de arcilla como se suele hacer en la técnica de vaciado en bronce, gracias a sus amistades influyente como el pintor y escultor Edgas Degás salió victorioso y además consiguió una fama que le puso entre los artistas más importantes de París.

Con posterioridad a este escándalo, su escultura se dividió en dos líneas distintas: la primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre indica, alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su amiga, amante y ayudante la escultora Camille Claudel; la segunda, las transgresoras, considerada la parte más trascendente en la historia del arte.

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, las figuras que construyó carecen de una lógica en cuanto a las proporciones. Rodin había estudiado la anatomía para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

En 1863 conoció a la que sería su compañera de por vida, Rose Beuret, una costurera de fábrica quien pronto se convirtió en su modelo para la escultura Bacante, pieza destruida durante un traslado de taller. En 1866 nació su hijo, el cual no llevaría el apellido de Rodin: Auguste-Eugéne Beuret.

Rodin abandonó a su amante, la escultora Camille Claudel y ésta quedo sumida en una profunda depresión que le condujo a la locura.

Desde 1906, la artista inició la destrucción de parte de su obra, sobre todo los yesos y trabajos en cera, cosa que repitió en diferentes ocasiones ante noticias adversas. En 1912, mientras sus esculturas en bronce de la colección Blot eran expuestas en Roma, la escultora vivió en la miseria y el abandono ya que su familia dejó de enviarle dinero. El 3 de marzo de 1913 murió el padre de Camille y el 10 de marzo fue ingresada en un hospital psiquiátrico. Se dice que muchas de las obras más conocidas de Rodín fueron realizadas por Camille Claudel.

El 29 de enero de 1917 Rodin se casó con Rose Beuret quien murió dos semanas después. Rodin contrajo una fuerte gripe a fines de ese mismo año y falleció el 17 de noviembre.

L’Éternel Printemps (La Eterna Primavera) 1884 Bronce

La obra fue creada durante el periodo de intenso trabajo alrededor de La Porte de l’Enfer (Puerta del Infierno). Pero este  tema nunca llegó a estar en ella: como Le Baiser (El Beso), del que representa una especie de variación; su tema evoca la felicidad de dos jóvenes amantes, sentimiento que no pareció adecuado para el tema infernal de La Puerta.

La sensualidad del  cuerpo arqueado femenino, tenso hacia los labios del personaje masculino, se integra perfectamente en la composición. A esta curva ascendente, responde el amplio movimiento del hombre que domina la composición.

Evocando  la escultura del siglo XVIII, apreciada por Rodin que la había imitado mucho, cuando trabajaba para ornamentistas, L’Éternel Printemps (La Eterna Primavera) tuvo mucho éxito y fue varias veces editada en bronce y en mármol. Esta obra se encuentra en el Museo Nacional de Arte Decorativo, aunque muchas de sus obras se encuentran en el Museo Rodin de París.

Autor: Botticelli. Título de la Obra: Primavera.

Botticelli. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi nació en Florencia en torno a1445 y muere en 1510. Hijo de un curtidor, pasó su infancia en el barrio de Ognisanti. Conocido como Sandro Botticelli por la abreviación de su nombre y el mote por el que era conocido su hermano mayor, Boticello (Barrilete), debido a su aspecto rechoncho, nuestro pintor se caracterizó por la rotunda personalidad, no sólo de su técnica pictórica sino, sobre todo por la originalidad con la que supo plasmar los encargos durante toda su vida.

 Los historiadores del arte, en especial Giogio Vasari, definen al pintor como un joven inquieto y extravagante, muy dado a las bromas; un hombre lleno de imaginación y con una inteligencia viva, dispuesto siempre a experimentar con nuevos métodos; un espíritu curioso e indagador que llegó a afirmar que “con sólo arrojar una esponja empapada en distintos colores contra un muro, ésta deja en la pared una mancha, donde se ve un hermoso paisaje”. Esta extravagancia y su retorcido sentido del humor parecen ser características parejas a la genialidad, muy común entre los artistas.

En 1482, Sandro Botticelli regresa a Florencia, tras realizar en Roma, junto a otros pintores (Perugino, Ghirlandaio, Roselli y Signorelli) una obra de gran envergadura: la decoración de la Capilla Papal que en San Pedro había mandado construir el Papa Sixto IV. El prestigio de su encargo romano se materializó en sucesivos y numerosos encargos. Es artista se va a convertir en el pintor preferido de un mecenas importantísimo: Lorenzo de Pierfrancesco de Medicis. La Primavera junto con Palas y el Centauro y una Virgen con el Niño, adornaba la antecámara de Lorenzo en su palacio florentino.

 No se conoce amor concreto de Botticelli, ni alusión a excesos sentimentales; tenía «horror al matrimonio».No se casó nunca. Fue denunciado anónimamente en 1502 de sodomía con uno de sus ayudantes, pero los cargos fueron más tarde desestimados.

Se dice que los últimos años de vida cayó en la pobreza, y subsistía con la ayuda de sus antiguos patrones, aunque sigue produciendo obras hasta el final.

La pintura de Botticelli se sitúa dentro de lo que denominamos «crisis del sistema plástico del Quattrocento» y supone una ruptura de la corriente florentina en la que los  volúmenes rotundos y la perspectiva lineal son sus dos pilares. Frente a estos valores nos propone otros nuevos basados en una linealidad llena de elegancia, un dibujo rotundo y, sobre todo, un mundo lleno de dulzura, de sentimiento, y es que, contemplando sus pinturas, en ocasiones nos cautivan por su delicadeza, la dulce sonrisa de sus personajes, pero también esas mismas figuras nos transmiten un mundo de  melancolía y tristeza que nos atrae.

 Iconografía de la Primavera de Botticelli:

Entre un bosque de laureles y naranjos sobre todo, y sobre una alfombra de césped y flores, centrando la composición, aparece la diosa del amor: Venus.

Los naranjos forman un arco que subraya la importancia de la diosa. Venus se encuentra apartada en el fondo del bosque, para dejar paso a una bella joven, vestida con un floreado vestido, coronada de flores y esparciéndolas por el césped. Su bello rostro nos mira con una sonrisa sosegada, mientras que a su lado otra joven de sus mismos rasgos y rubios cabellos, por cuya boca salen también flores, las mismas que caen sobre la joven descrita, vestida con una transparente túnica, está siendo raptada por un joven alado que, con el ceño fruncido, sopla sobre ella.

En el lado izquierdo de la composición, tres jóvenes bellezas rubias enlazan sus manos en una elegante danza. La que nos da la espalda mira a un joven cuya mirada se dirige hacia el cielo. Va ostentosamente armado con una espada y con una vara en la que se enroscan dos serpientes, y con un brazo aparta unas negras nubes que pretenden entrar en este  bosque. Por último, un niño alado sobrevuela, con los ojos tapados y armado con arco y flecha, la figura central.

La figura central es la diosa Venus que, con un gesto elegante se aparta para dejar pasar a Flora, diosa de la Primavera. La joven de vestido transparente que aparece a su lado es Cloris perseguida por el Céfiro quien, con su aliento transforma a la ninfa en Primavera. En el lado izquierdo, las tres rubias bellezas son las tres Gracias y el joven guerrero es Hermes-Mercurio (sus pies alados lo identifican) que con su caduceo aparta las nubes. En su roja túnica vemos llamas doradas. Por último, Cupido-Amor, a pesar de su ceguera, lanza, con absoluta seguridad, su flecha a la Gracia que, de espaldas a nosotros,

mira a Mercurio.

En cuanto a las fuentes literarias que pudo manejar el pintor, los especialistas señalan, fundamentalmente, los Fastos de Ovidio donde se describe la llegada de la Primavera a través de la metamorfosis de la ninfa de la tierra, Cloris, en Flora, por obra y gracia del viento Céfiro. Éste se enamora apasionadamente de Cloris y la posee violentamente; arrepentido de su violencia, transforma a la ninfa en Flora. A la izquierda de la composición, las tres Gracias, compañeras de Venus danzan armoniosamente. Las Gracias (Voluptuosidad, Pulcritud y Castidad) gesticulan mediante una danza.

La Castidad se sitúa entre la Voluptuosidad (que tiene aspecto agitado) y la Pulcritud (comedida en aspecto y atavío), que la coronan y protegen ante el ataque del ciego Amor, ya que está siendo punto de mira del la flecha de Cupido para que se enamore de Mercurio, al cual está mirando. Mercurio es el que guía a las Gracias. Con su caduceo (símbolo de la concordia) aparta las nubes que pretenden entrar en el Bosque del Amor, del cual es él su guardián (espada) y señala a Castidad, que dirige hacia él su mirada,

el camino del Cielo.

 La lectura que podríamos hacer de la pintura sería la de una plasmación del Jardín del Amor de Venus.

Magnífica obra, estaría horas contemplándola. ¿Y vosotros?. Espero que os guste.

Autor: Hiroshi Yoshida. Título de la Obra: Moonlight in Taj Mahal

Hiroshi Yoshida ( 1876- 1950) fue un pintor y grabador en madera japonés. Es considerado como uno de los más grandes artistas del estilo shin-Hanga y se caracteriza especialmente por sus excelentes paisajes. Yoshida viajó mucho, y fue sobre todo conocido por las paisajes de fuera de Japón realizados de la manera tradicional japonesa del grabado con bloques madera,  incluyendo el Taj Mahal, los Alpes suizos, el Gran Cañón, y otros parques nacionales de EE.UU.

Fue un gran viajero y conocedor de la estética occidental.

Se sintió atraído por una naturaleza relajada y sus grabados respiran frescura, invitan a la meditación y crean un ambiente suave y apacible.

En 1920, realizó el Jardín del Santuario de Meiji con el conocido grabador en madera Watanabe Shozaburo. Por desgracia, sólo se hicieron siete copias y los bloques perecieron en el terremoto de 1923.

En 1923, Yoshida se embarcó en una gira por los Estados Unidos y Europa con su esposa Fujio, pintando y vendiendo sus trabajos. Cuando regresó a Japón en 1925, abrió su propio taller de grabado y se especializó en paisajes inspirados por su país natal y sus viajes al exterior.

Yoshida desarrolló en sus trabajos todo el proceso por sí mismo: el diseño de la impresión, la talla de sus propios bloques y la impresión de su trabajo.

Su carrera se vio interrumpida temporalmente con su estancia como corresponsal de guerra durante la Guerra del Pacífico en Manchuria.  Realizó su última impresión en 1946 y murió en 1950.

Moonlight in Taj Mahal, (la luz de la luna en el Taj Mahal), es un grabado realizado con bloques de madera que refleja perfectamente la luz de la luna proyectada sobre el blanco mármol del Taj Mahal, el espectador queda impresionado por ese azul tan intenso y envolvente de la noche.

Autor: Henry Stacy Marks. Título: El selecto comité.

Henry Stacy Marks (1829-1898) Pintor de la era Victoriana, reconocido pintor de pájaros. Miembro de "St John's Wood Clique" desde 1862, Marks se inclinaba hacia la escuela Prerrafaelita, sintiéndose atraído por el naturalismo y el estilo cuidadoso de la pintura.

Marks nació en Londres, el 13 de septiembre 1829, cuarto de los hijos de John Isaac Marks y Elizabeth.
 

Se preparó originalmente para trabajar en el negocio de la familia: Marks and Co, Coachmakers, en Langham Place. Sin embargo, demostró poca aptitud para el trabajo comercial, por lo que le permitieron estudiar arte.

Muchos de sus primeros cuadros trataban temas shakespearianos. Sin embargo, es más conocido por sus posteriores cuadros de pájaros, representando muchos de ellos el trabajo que hizo en el parque zoológico de Londres para la exposición “Birds in Bond Street” de la Fine Art Society.

Los cuadros de Marks eran típicamente alegres y de ellos Gleeson White, crítico de arte, predijo correctamente en 1909 que “no sería asombroso que conservaran el respeto de los futuros coleccionistas cuando los más ambiciosos trabajos contemporáneos dejaran de de cautivar”.

En 1856 Marks se casó con Helen Drysdale, que falleció en 1892. Al año siguiente se desposó con Harriet Kempe, que también era pintora.
Marks murió en 9 de enero de 1898 en su casa de Londres y fue enterrado en el Cementerio de Hampstead.

El Selecto comité emula una reunión en la que parecen tratarse temas de mucha importancia, loros, cacatúas, guacamayos charlando sin parar, no parecen llegar a ninguna conclusión efectiva, todos juntos, pero todos son diferentes, incluso uno de ellos se ha dormido, es como una  alegre parodia, una crítica a un selecto comité de distinguidos loros y cotorras de la época.